5 RAZONES DEPECHE MODE DEBE ESTAR EN EL SALÓN DE LA FAMA DEL ROCK AND ROLL
Por Nick DeRiso en diffuser.fm
Hay quienes podrían cuestionar por qué Depeche Mode debe estar en el Salón de la Fama del Rock and Roll, más aún cuando emergieron en una década como los años 80, plagada de música bailable desechable, muy similar a los superfluos años 50.
Depeche Mode rápidamente se convirtió en algo que destacó en una era de consumo musical sin sentido, sin embargo, el estilo musical electrónico que cultivaban tenía el mismo peligro y profundidad que el rock y el tipo de sofisticación que antes estaban reservadas casi exclusivamente para la música clásica.
En su larga carrera vendieron millones de discos, logrando la hazaña de llegar a sus dos peaks, creativo y comercial, casi de forma simultánea a inicios de la década de los 90.
¿Fue esto suficiente para ganarse un lugar en el salón de la fama del Rock and Roll? Revisaremos las cinco razones para decir que Depeche Mode lo merece.
Una carrera con un arco impresionante
Un elemento clave para cualquier candidatura al salón de la fama es la capacidad de crecer como artista. A pesar de comenzar su vida musical tras un grupo de teclados y siendo miembro del movimiento New Romantic de inicios de los 80’s en el Reino Unido, Depeche Mode logro evolucionar hacia un sonido electro mucho más oscuro, tras la salida de Vince Clarke (quién formo Yazoo junto a Alison Moyet). Este cambio, encabezado por la rápida maduración como siniestro compositor de Martin Gore, lo que en última instancia precipitó que Depeche Mode obtuviera el éxito de los años 80, emergiendo como una de las primeras bandas de rock alternativo en transformarse en superestrella global.
Los Rockeros los aman
La influencia importa, y su impacto en otros Rockeros es innegable. ¿Existirían sin Depeche Mode bandas como The Killers o Interpol? Probablemente debido la naturaleza personal y temperamental de sus canciones, Depeche Mode también han sido reversionado por grandes Rockeros como Marilyn Manson , HIM , Dave Grohl con Ghost, Lacuna Coil y Sammy Hagar . Axl Rose se proclamó un fan en la época del 101. Burton Bell de Fear Factory los siguió, incluso antes de eso. El cantante de Deftones, Chino Moreno dice Depeche Mode fue su primer concierto; incluso tiene la rosa de Violator, tatuada en su bíceps.
La revancha de los nerds
¿Te gustan las historias de rechazados? Has venido al lugar correcto. Básicamente Depeche Mode eran geeks computacionales que crecieron, en un principio eran los típicos adolescentes pintados tras teclados Casio, acompañados por una drum machine para apoyar las pistas. En otra época, estos chicos – exagerados, ligero, vistiendo S & M o con estilo de cierres u otras cosas en la chaqueta – y, tal vez demasiado articulados – probablemente habrían terminado como una tecnología de iluminación por algún semidiós del heavy metal. En su lugar, se convirtieron en un nuevo tipo de estrella de rock.
¿Necesita guitarras? No hay problema
Claro, durante gran parte de su carrera temprana, Depeche Mode se basó únicamente en sonidos generados por teclados y sintetizadores—en esta época esto era un gran impedimento para ser considerados en una nominación para el salón de la fama. Pero el estruendoso éxito en 1990 de Violator cambió todo. Gore aportó demos al desnudo, sólo rasgueados, para que la banda pudiera trabajar sobre ellos y los resultados llevaron al lanzamiento de mayor éxito de ventas en la carrera de Depeche Mode. Siguió en 1993 Songs of Faith and Devotion, donde demostraron que estaban muy comprometidos con esta nueva dirección musical. Contundentemente, en la edición remasterizada de Violator, se incluye un documental de 32 minutos sobre este período titulado Si quieres Usar Guitarra, Usa Guitarras.
Las canciones con un significado más profundo
Los electores del Salón de la Fama que creen votar a favor de un “grupo de música dance” deben mirar un poco más allá en las líricas de Depeche Mode – y no hablamos sólo de sus proyectos más recientes.
El éxito de la banda en Estados Unidos se masifico con un corte de sonido industrial en 1984 llamado “People Are People”, que es una ardiente súplica de paz. Llámenlo synthpop al estilo de “All You Need Is Love.” También abordaron temas como el consumismo desenfrenado en ( “Everything Counts”), el suicidio adolescente en ( “Blasphemous rumores”), la lucha por la individualidad ( “Stripped”), la dificultades para dejar de lado las heridas del pasado ( “The Child Inside”), los gustos alternativos en ( “Master and Servant”, “Strangelove”, “In Chains”), los temores acerca de la muerte ( “Fly on the Windscreen”) y las costumbres religiosas ( “Personal Jesús “).
